Edición Nº 60

La Revista

Entrevistas

Claudia Pinto: "El cine es un camino maravilloso e incierto"

 

El estreno comercial en Bolivia de La distancia más larga, opera prima de la venezolana Claudia Pinto nos permite conversar con la realizadora. “Soy licenciada en Comunicación Audiovisual en Venezuela con Máster en guión de cine, Máster en guión de televisión y Especialista en Fotografía y nuevos medios audiovisuales en España. Mi primer cortometraje, Una voz tímida en un concierto hueco (2001), ganó varios premios internacionales, entre ellos Mejor Cortometraje en el Festival Latino de Los Ángeles, un impulso que fue muy importante para mis siguientes cortometrajes, Todo recto y El silencio de los sapos. Paralelamente, he dirigido proyectos de diferente naturaleza, desde documentales hasta spot publicitarios. Desde 2007 trabajo activamente en la dirección-realización de series de ficción para la televisión, un trabajo que combino con mi carrera cinematográfica. Soy guionista, directora y productora de mi ópera prima, La distancia más larga (Venezuela-España) y actualmente desarrollo mi segundo largometraje, Las Consecuencias”. Así empieza esta entrevista exclusiva para Cinemas Cine.

Claudio Sánchez (CS).- ¿Cómo hiciste el casting de la película?

Claudia Pinto (CP).- Fue diferente en el caso de cada personaje. Para el personaje Lucas (Omar Moya), el niño protagonista, la directora de casting buscó en colegios, entre los conocidos, en la calle. Sabíamos que en cualquier parte podía estar nuestro protagonista. A Kayemó (Alec Whaite) lo encontramos gracias a un vídeo que él mismo nos envió.. Alec Whaite nunca había hecho una película, pero le hice varias pruebas y vi enseguida todo el potencial que tenía. Fue un caso interesante porque el personaje escrito tenía 10 años más que él, pero lo importante para mí era encontrar a la persona que pudiera transmitir la esencia del personaje y estaba dispuesta a reescribir para que la unión personaje/actor no tuviera fisuras. El caso de Carme Elias (la actriz española protagonista) es distinto, es una de las actrices más sólidas del panorama español y la admiraba desde siempre. Le hicimos llegar el guión y le encantó, desde entonces nos pusimos en marcha para darle vida a Martina.

CS-¿Cómo elaboraste la propuesta sonora de la película?

CP.- El sonido y la música fueron siempre de la mano. Ya en el guión el sound designer apuntaba aquellos sonidos que podían enriquecer la escena y el músico también. Fui a rodar ya sabiendo cómo quería que sonara la película. Quería construir atmósferas que ayudarán a construir esa mirada introspectiva que ofrece La distancia más larga. En este sentido, el sonido y la música eran fundamentales para entrar en la emoción y en la psique de los personajes y, a su vez, en la del espectador.

CS-¿Cómo concebiste la estética visual del film?

CP.- Quería una estética naturalista, lo menos invasiva posible. Quería que la película transcurriera sin que ningún elemento estético sobresaliera por encima del otro, pero sobre todo, que ninguno interfiera en la relación del espectador con el personaje. Quería que la historia llegara de la manera más directa y honesta posible. Para ello renuncié a todos los artificios. Me obsesionada que la estética visual fuera coherente con la esencia de lo que quería contar. Actores, fotografía, música, sonido iban de la mano y el objetivo era construir una historia honesta que consiguiera acortar todas las distancia con el espectador.  

CS.- La distancia más larga propone diversos niveles de violencia, desde los más explícitos hasta cuestiones subtextuales que rigen el propio guión. ¿Cuál era tu intención al proponer estas situaciones?

CP.- Quería ir más allá de la evidencia, meterme dentro de la realidad, de esa violencia que azota nuestro país (Venezuela), pero, sobre todo, de aquella que nos azota a nosotros mismos, aunque muchas veces no seamos conscientes de ello. Martina es muy violenta consigo misma, se culpa, no se perdona. ¿No es acaso esta forma de violencia también aterradora? La película se mueve siempre entre extremos (un niño que toma la primera decisión de su vida y una mujer que toma la última; el escenario más violento de Venezuela y el más paradisíaco) y lo hace, precisamente, para poner el acento en lo que nos une como seres humanos a pesar de las distancias aparentes, en la necesidad que tenemos de comunicarnos y de ser felices.     

CS.-¿Cómo ves la representación de la violencia en el cine latinoamericano de hoy?

CP.- Es cada vez más amplia, más completa. El retrato de la violencia social que durante tantos años marcó nuestro cine va dando paso a una representación que abarca la violencia en las estructuras familiares, en los colegios, en las relaciones humanas en general. Es positivo y necesario que indaguemos también en esa violencia que se nos pone delante sin que nos demos cuenta.

CS.- La película propone un triángulo generacional (abuela, madre, hijo) que tiene una fuerte mirada femenina sobre la vida. ¿Por qué optar por cerrar este círculo con un hijo varón?

CP.- La película tiene una mirada femenina, es cierto, pero no quería suscribir la historia ni los personajes a ello. Es decir, esa mirada femenina es la que yo tengo sobre la historia, pero quería centrarme en lo que nos une como seres humanos más allá del género, la edad, los condicionamientos sociales, el país en el que nacemos. Todos los personajes toman decisiones, todos están abocados a reconducir sus vidas, todos se enfrentan a sí mismos y se preguntan en qué momento dejaron de tomar las riendas de sus vidas.  

CS.- En los últimos años la presencia de las realizadoras mujeres en América Latina han marcado la diferencia con el cine de finales de los noventa. Lucrecia Martel, Claudia Llosa, Albertina Carri, por ejemplo, han cambiado el panorama regional al proponer otras miradas desde distintos puntos. ¿Cómo crees que eso influye en las nuevas generaciones?

CP.- Es importante que haya paridad, siempre. Es fundamental que el cine ofrezca una mirada femenina de la realidad. Además, las mujeres directoras solemos indagar en el universo femenino y solemos construir personajes femeninos que tienen una participación activa y que toman decisiones. Es muy importante que el público, en especial las nuevas generaciones, vean en el cine una representación coherente con el momento en el que viven.  

CS.- La distancia más larga es una co-producción hispano-venezolana ¿Cómo evalúas éste modelo de producción?

CP.- Las coproducciones son difíciles. Cada país, cada posible fuente de financiación pone sus reglas y exigencias y es fácil que las películas se resientan al tener que “complacer” a mucha gente.  En el caso de La distancia más larga la coproducción surgió de una manera natural. La película estaba pensaba como una coproducción entre Venezuela y España desde que escribí la primera línea. El peso de la distancia que separa a los dos países en los que he vivido, forma parte de la historia. En este sentido, es una coproducción iberoamericana en esencia y fue fácil encajar los elementos que aportaba cada país sin que la historia sufriera por ello. Pienso que cuando los acuerdos de coproducción se hacen sin olvidar que la historia es lo más importante, los resultados son muy positivos y las películas crecen. Por otra parte, a nivel creativo es muy enriquecedor contar con un equipo técnico y artístico que agrupe a diferentes países y que ofrezca diferentes miradas. Ahora bien, es trabajo del director saber discernir entre aquellas ideas que ayudan a que la historia crezca y aquellas que la alejan de su esencia.

CS.- Sin duda los Premios alcanzados por la película, y las diferentes nominaciones en distintos festivales han sido de mucho apoyo para la promoción del film ¿Cómo tomas tú que tu opera prima haya tenido este camino?

CP.- El cine es un camino maravilloso e incierto. No sabes exactamente qué película tienes entre manos hasta que la pones en contacto con el público. Vas trabajando, vas haciendo, sigues tu intuición y tienes como norte las imágenes que has soñado, pero las películas son difíciles de atrapar, son permeables, están vivas. Para mí era muy difícil predecir cómo le iba a ir a La distancia más larga.  En realidad no pensaba en ello. Mi obsesión era que la película fuera lo más parecida posible a la que tenía en mi cabeza y que consiguiera transmitir las emociones que buscaba.

Cuando estrenamos la película mundialmente en Montreal, el público la recibió con tanta emoción y ganamos el premio como Mejor Película de América Latina, comprendí que habíamos hecho un buen trabajo y que habíamos logrado conectar con la gente como soñábamos. En este sentido, La distancia más larga no ha dejado de darnos alegrías. En festivales nos ha ido muy bien; el público nos ha apoyado siempre (hemos llegado a estar un año en las sala de cine de Venezuela); la Academia española nos nominó en los Premios Goya como Mejor Película Iberoamericana; y la industria iberoamericana nos premió como el Premio Platino a la Mejor Ópera Prima de Ficción.

La distancia más larga ha funcionado bien y en ámbitos muy distintos. Eso nos dice que la película se comunica bien con quien esté del otro lado de la pantalla y me llena de satisfacción que así sea.

-Después de la hacer esta película qué representa ahora para ti el Monte Roraima…    

El Roraima siempre fue mucho más que una localización para esta película. Era una inspiración, un refugio, un lugar al que volver cada vez que sentía que estaba perdiendo el norte. El día que rodé en la cima del Roraima uno de los planos finales de la película, fue uno de los días más felices de mi vida. Después de filmar La distancia más larga tengo al Roraima aún más presente. Tuve la fortuna de volver a la zona para hacer una proyección de la película allí y fue mágico ver al Roraima en la pantalla y, a su vez, tenerlo al lado, como un testigo más de aquella proyección. Son recuerdos que se te quedan grabados a fuego.

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